Violoncelle : ses parties, sa sonorité et comment en jouer

Découvrir le violoncelle

La famille du violon compte quatre membres : le violon, l’alto, le violoncelle et la contrebasse. Le violoncelle est plus grand que l’alto et plus petit que la contrebasse. Il ressemble à un violon, mais pour sa taille ses éclisses sont plus hautes et son manche plus court.

Son nom complet, violoncello, est un mot italien qui veut dire « petit violone ». Le violone était un instrument courant aux XVIIe et XVIIIe siècles, qui est devenu plus tard la contrebasse d’aujourd’hui. En anglais, on dit simplement « cello », le nom court.

Les quatre cordes sont accordées C, G, D, A, en partant de deux octaves sous le do du milieu. C’est une octave plus bas que l’alto. Dans le pupitre des cordes, le violoncelle joue la partie de ténor, et un orchestre compte en général 8 à 12 violoncelles, deux musiciens partageant le même pupitre.

Famille

Instrument à cordes (famille du violon)

Type

Instrument à cordes frottées ; on peut aussi le pincer

Cordes

C2, G2, D3, A3 (chacune à une quinte juste de la suivante)

Note la plus grave

C2 (corde C à vide, environ 65 Hz)

Tessiture

De C2 à A5 (jusqu’à A7 avec les harmoniques)

Clé

Surtout la clé de fa ; comme la tessiture est très large, on utilise aussi la clé d’ut 4e ligne et la clé de sol

Transpositeur

Non (sonne comme écrit)

Taille

Caisse d’environ 75 cm (de 70 à 76 cm selon les sources) ; environ 120 à 125 cm de long au total

Longueur de l’archet

71 à 73 cm

Les parties du violoncelle

Un violoncelle est fait surtout de deux sortes de bois. La table est en épicéa (ou en pin) ; le fond, les éclisses, le manche, le chevillier et la volute sont en érable. La touche est en ébène et le chevalet en érable. Aujourd’hui, il existe aussi des violoncelles en fibre de carbone.

Certaines des pièces les plus importantes sont cachées à l’intérieur du corps. On ne peut que les entrevoir par les ouïes.

Certaines pièces se trouvent à l’intérieur ou derrière l’instrument, là où le dessin ne peut pas les montrer ; leur numéro indique à peu près où elles sont.

12345678910

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   Volute scroll

   Le bout en bois enroulé tout en haut, sculpté dans l’érable.

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   Chevillier et chevilles pegbox

   Les cordes s’enroulent ici autour des chevilles ; tourner une cheville tend ou détend une corde.

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   Manche neck

   La longue poignée le long de laquelle se déplace votre main gauche.

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   Touche fingerboard

   Une planche d’ébène lisse sans frettes ; on y appuie les cordes pour changer la note.

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   Table et ouïes top / f-holes

   La table bombée en épicéa ; la partie entre les deux ouïes est celle qui vibre le plus facilement.

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   Chevalet bridge

   Soulève les cordes et transmet leurs vibrations au corps. Il tient en place seulement grâce à la pression des cordes, sans colle, et sa courbe permet à l’archet de jouer une corde à la fois.

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   Cordier et tendeurs tailpiece

   Retient le bout des cordes ; les petits tendeurs (micro-accordeurs) font de tout petits réglages d’accord.

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   Âme sound post

   Un petit poteau en bois à l’intérieur, tenu par frottement, sans colle. Elle soutient la table et relie les vibrations de la table et du fond.

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   Barre d’harmonie bass bar

   Une fine baguette de bois sous la table, du côté du pied grave du chevalet, qui répartit les vibrations sur une grande partie de la table.

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    Pique endpin

    La tige en métal du bas, qui repose sur le sol. Une vis de serrage la maintient en place, et sa pointe peut avoir un embout en caoutchouc.

Comment le son se forme

L’archet est une baguette garnie de crins de cheval. La colophane fait que les crins accrochent la corde, l’entraînent, puis la laissent glisser en arrière, encore et encore. C’est comme frotter fort une gomme sur une table : elle colle, saute, colle, saute. Un cycle « colle et glisse » dure exactement le temps d’une vibration de la corde.

Le secret, c’est la colophane. Elle fait que les crins tiennent fort tant qu’ils accrochent, mais glissent très facilement dès qu’ils lâchent. Si accrocher et glisser donnaient la même sensation, comme avec un archet sans colophane, la corde ne ferait que soupirer au lieu de chanter.

Pendant que vous jouez à l’archet, la corde a toujours la forme de deux lignes droites avec un angle pointu entre elles. L’angle file dans les deux sens le long de la corde, comme une perle qui glisse sur un fil. Cette forme donne à la note toute une série d’harmoniques, à 2, 3, 4 fois et plus la fréquence principale, ce qui rend le son riche.

Un archet plus rapide fait osciller la corde plus largement : la note est plus forte. Appuyer davantage fait ressortir plus d’harmoniques aiguës : le son devient plus brillant. Près du chevalet, il faut un peu plus de pression, et la marge de pression qui fonctionne encore se rétrécit, comme si l’on marchait sur un chemin plus étroit.

Une corde seule est trop fine pour pousser beaucoup d’air : elle est presque muette. Le chevalet transmet une partie de la vibration à la table en bois, comme un diapason sonne plus fort quand on pose son pied sur une table. L’âme et la barre d’harmonie répartissent ce mouvement dans le corps, et l’air à l’intérieur de la caisse résonne aussi. Cela fonctionne de la même façon dans toute la famille du violon.

Parfois, une note tombe très près de la vibration principale du corps lui-même. Les deux se disputent, et la note tremble et bégaie, un son que certains comparent au hurlement d’un loup : c’est pourquoi on l’appelle un loup. Beaucoup de violoncelles en ont un quelque part entre E et F♯, souvent plus net sur la corde C. Un petit poids appelé éliminateur de loup peut le calmer, mais il peut aussi rendre tout le violoncelle un peu plus terne.

Essayez : appuyez la gomme d’un crayon sur une table et poussez-la lentement. Vous la sentez coller, sauter, coller, sauter ? C’est ce que font les crins de l’archet sur la corde, de quelques dizaines à quelques centaines de fois par seconde.

Comment en jouer

Asseyez-vous au bord d’une chaise, les deux pieds bien à plat sur le sol ; le pied gauche peut être un peu en avant. Sortez la pique pour que les bords du violoncelle s’appuient contre l’intérieur de vos genoux et que le haut du violoncelle touche le milieu de votre poitrine. La cheville de C se trouve près de votre oreille gauche. La pique et vos deux pieds forment un triangle sur le sol.

Tenez l’archet sans serrer. Votre pouce plié se place dans le petit creux entre la hausse et la garniture ; l’auriculaire et l’annulaire reposent sur la hausse, le majeur peut toucher la bague en métal, et l’index se pose légèrement sur la baguette. Le plus important : un pouce détendu et plié.

Votre main gauche forme un C, comme si vous teniez une canette. Le pouce se place derrière le deuxième doigt et pointe en travers du manche, pas dans sa longueur. Gardez le coude haut mais détendu et le poignet dans l’alignement du bras. Appuyer un doigt raccourcit la partie vibrante de la corde : la note monte.

Pour atteindre les notes très aiguës, la main gauche se déplace vers le chevalet, dans les positions hautes (une position, c’est l’endroit où se trouve votre main sur le manche). Vers 1740, les violoncellistes ont « découvert » que le pouce pouvait lui aussi appuyer sur les cordes. Cette position du pouce permet à la main gauche d’atteindre les positions hautes, surtout sur la corde A.

Pour jouer plus fort, combinez vitesse et pression de l’archet. Les notes séparées peuvent se jouer à la corde, ce qui est puissant mais fatigant et plus difficile à garder ensemble, ou avec l’archet qui rebondit sur la corde, ce qui résonne davantage. Faire osciller le doigt de la main gauche, ce qu’on appelle le vibrato, fait enfler et diminuer les harmoniques : la note semble plus vivante. Le Philharmonia Orchestra dit qu’un vibrato large fait ressortir la voix profonde du violoncelle et convient parfaitement à une ambiance triste et mélancolique.

Si vous effleurez une corde exactement en son milieu, sans l’appuyer, vous obtenez une harmonique : une note claire et aiguë, une octave au-dessus de la corde à vide. En l’effleurant au quart, on obtient une note deux octaves plus haut.

Les compositeurs demandent aussi des sons spéciaux. Col legno veut dire frapper la corde avec la baguette en bois de l’archet, ce qui sonne comme un petit marteau. Sul ponticello veut dire jouer près du chevalet, pour un son plus brillant mais vitreux et mince ; sul tasto veut dire jouer au-dessus de la touche, pour un son plus faible et plus doux. Dans un pizzicato Bartók, on tire la corde vers le haut pour qu’elle claque contre la touche avec un grand bruit sec, utilisé comme effet de percussion.

• À l’archet (arco)Passez l’archet sur la corde à vitesse régulière. Vous entendez une note longue qui dure tant que l’archet bouge.
• Pincé (pizzicato)Tirez la corde avec un doigt au lieu de l’archet. La note commence par un « pop » et s’éteint toute seule.
• Appuyer sur une corde pour monterLa corde A à vide, c’est A3. Avec un doigt qui appuie sur la même corde, le violoncelle atteint A4, une octave plus haut.
• Rester dans le grave : sul C, sul GLes cordes graves sonnent plus épais et plus sombre. Les compositeurs écrivent sul C ou sul G pour vous demander d’y rester.

Tessiture et notation

La note la plus grave est la corde C à vide, C2, environ 65 Hz. Chaque corde au-dessus est une quinte juste plus haut : G2, D3 et A3. Les notes plus aiguës se jouent en appuyant les cordes plus haut sur la touche. La tessiture du violoncelle va de C2 à A5, et avec les harmoniques elle peut atteindre A7.

Chaque corde couvre sa propre zone : la corde C environ de C2 à F3, la corde G de G2 à C4, la corde D de D3 à G4 et la corde A de A3 à A5.

Le violoncelle ne transpose pas : la note écrite est la note que vous entendez. Sa musique s’écrit surtout en clé de fa, mais comme la tessiture est très large, on utilise la clé d’ut 4e ligne pour les passages plus aigus et la clé de sol pour les passages très aigus. Les violoncellistes n’aiment pas changer de clé trop souvent.

Attention à une vieille habitude. Certaines partitions anciennes écrivaient les notes aiguës du violoncelle en clé de sol une octave plus haut qu’elles ne sonnent réellement. Aujourd’hui, on utilise plutôt la clé d’ut 4e ligne pour ce registre.

Écouter

• Les quatre cordes à vide : C2, G2, D3, A3Chaque pas monte d’une quinte juste. Remarquez comme le son s’éclaircit en montant.
• La corde la plus grave, C2Écoutez le bourdonnement épais et sombre de la note la plus grave que le violoncelle peut jouer sur une corde à vide.
• A3 à l’archet ou pincéLa même note de deux façons : à l’archet, elle reste stable ; pincée, elle fait « pop » et s’éteint.
• A3 et A4 sur la corde AUne corde à vide, puis une note appuyée une octave plus haut. Entendez-vous que c’est la même lettre ?

Histoire et famille

Les premiers violoncelles sont apparus au XVIe siècle. Ils avaient souvent cinq cordes et servaient surtout à renforcer la ligne de basse dans les ensembles. À Crémone, en Italie, le luthier Andrea Amati a fixé le style et les méthodes de fabrication de la famille du violon.

Un très ancien violoncelle, le « King », est un rare survivant du milieu du XVIe siècle. Il a probablement été fabriqué avant une commande royale pour le roi de France Charles IX, passée vers 1561, et peint plus tard. C’était d’abord un instrument de basse plus grand, ensuite réduit à la taille du violoncelle moderne. Il se trouve aujourd’hui au National Music Museum, dans le Dakota du Sud.

Les premiers violoncelles étaient grands : les plus anciens avaient une caisse d’environ 80 cm, plus grande que la norme actuelle, et les quelque 25 violoncelles connus d’avant 1700 sont tous grands. Vers 1660, on a inventé les cordes filées de métal, et à Bologne ces cordes ont peut-être aidé le violoncelle : une corde plus courte pouvait rester assez tendue et répondre vite. Stradivari décida en 1700 de faire des violoncelles plus petits, et à partir de 1707 environ il utilisa le modèle aujourd’hui appelé forma B.

Au XVIIe siècle, le violoncelle et le clavecin sont devenus le duo habituel pour jouer la basse continue, la partie de basse sous la musique. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, le violoncelle a remplacé la basse de viole comme instrument soliste, et Haydn, Mozart et d’autres compositeurs après eux lui ont donné un rôle plus important.

Parmi les œuvres célèbres pour violoncelle, il y a les six suites pour violoncelle seul de Bach, les cinq sonates pour violoncelle de Beethoven, des concertos de Lalo, Dvořák, Saint-Saëns, Elgar et Barber, des sonates de Kodály et de Debussy, et les Bachianas Brasileiras de Villa-Lobos pour huit violoncelles et soprano. Pablo Casals, Mstislav Rostropovitch et Yo-Yo Ma comptent parmi ses interprètes les plus connus.

Les cordes ont aussi changé. Les cordes en acier se sont répandues, surtout sur le violoncelle. Dans les années 1950, la plupart des jeunes élèves violoncellistes américains utilisaient deux cordes en acier et deux cordes en boyau filé d’argent ; plus tard, la plupart des musiciens ont abandonné le boyau, et seuls quelques-uns ont gardé du boyau filé sur les trois cordes graves. Un proche parent, le violon ténor du XVIe au XVIIIe siècle, avait une taille entre celle de l’alto et celle du violoncelle.

1. XVIe siècle
   Les premiers violoncelles apparaissent, souvent à cinq cordes, pour soutenir la basse.
2. v. 1505–1577
   Vie d’Andrea Amati, de Crémone, qui a fixé le style de la famille du violon.
3. Milieu du XVIe siècle
   Le violoncelle « King » est fabriqué, d’abord comme instrument de basse plus grand.
4. v. 1660
   Invention des cordes filées de métal.
5. XVIIe siècle
   Violoncelle et clavecin deviennent le duo habituel du continuo.
6. 1700
   Stradivari décide de rendre le violoncelle plus petit.
7. v. 1707
   Stradivari commence à utiliser le modèle forma B.
8. v. 1740
   Les violoncellistes découvrent que le pouce peut appuyer sur les cordes : c’est le début de la position du pouce.
9. Années 1950
   La plupart des jeunes élèves violoncellistes américains utilisent deux cordes en acier et deux cordes en boyau filé d’argent.

Bien débuter et entretien

Avant de jouer, passez la colophane régulièrement sur toute la longueur des crins de l’archet. Quand vous avez fini, détendez toujours la mèche avant de remettre l’archet dans l’étui.

Le manuel de Yamaha indique que le violoncelle est réglé avant de quitter l’usine ; si vous trouvez qu’il a besoin d’autres réglages, apportez-le à votre revendeur, car certains réglages demandent les compétences d’un spécialiste. N’essayez pas de le modifier vous-même.

• Tenez le violoncelle à l’abri du soleil direct, des endroits très chauds ou très froids, d’une humidité trop forte ou trop faible, de la poussière et des fortes secousses. Les changements brusques de température, en particulier, peuvent causer de graves dégâts : ne le laissez donc pas longtemps dans une voiture.
• Essuyez-le avec un chiffon doux et sec, et ne vaporisez pas d’insecticide à côté.
• Ne changez qu’une seule corde à la fois. Si les quatre sont enlevées, le chevalet peut tomber et le cordier se détacher.
• Vérifiez le chevalet quand vous accordez ou changez les cordes : il se tient entre les crans des deux ouïes, sa face tournée vers le cordier forme un angle droit avec la table, et chaque corde est dans sa propre encoche.
• La pique est pointue : manipulez-la avec précaution, et serrez bien sa vis pour que le violoncelle ne tombe pas pendant que vous jouez.
• Gardez le visage loin du violoncelle quand vous l’accordez ou changez les cordes ; une corde qui casse d’un coup peut vous blesser aux yeux ou au visage. Ne desserrez pas et ne serrez pas trop les tendeurs, sinon vous risquez d’abîmer le violoncelle ou d’entendre des grésillements en jouant.

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